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Uno studio da Le 5 rose di Jennifer di Annibale Ruccello

Pubblicato il 10 Luglio 202210 Luglio 2022 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Studio sulle 5 rose di Jennifer — Ph Lia Stein

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo uno studio da Le 5 rose di Jennifer di Annibale Ruccello. Lo spettacolo è firmato e interpretato da Fabrizio Kofler.

Ha fatto una sorta di miracolo, il protagonista di questo pseudo-monologo: non si è limitato a lasciare spazio all’anima junghiana dentro di sé, al femminile archetipico, inserito nel mazzo dei tarocchi psichici, ma ne ha scoperto la parte più tragica, più crudele; quella, tanto per intenderci, che appartiene alle eroine eschilee, euripidee. Da qualche parte deve avere avuto, mentre si truccava davanti allo specchio del proprio camerino, una Jeanne Moreau, pronta a ricordare all’interprete, come alla Nikita del film di Besson, che due cose non conoscono confini: la femminilità e i modi per abusarne. Si muove sui tacchi come un funambolo, sulla corda sottilissima tra il maschile e il femminile, disegna una verticalità aggraziata sempre in pericolo di poter cadere, e, tuttavia, è proprio quel pericolo ad accrescerne il fascino. Si siede per attendere una telefonata che non arriverà mai.

Godot ha fatto in tempo a lasciare il suo numero telefonico, e, da quel momento in poi, l’invincibile, quanto disattesa, voglia di ricevere una certa chiamata. In compenso, Jennifer riceve continuamente chiamate da estranei, poiché Tyche, la divinità della sorte, oltre a ingarbugliare i fili dell’esistenza, in questo testo si diverte a fare la stessa cosa con le linee telefoniche. Pettina la sua parrucca, e quel gesto farebbe voglia al buon vecchio Freud di aspirare lungamente il suo sigaro, per poi annotare fittamente il suo taccuino. E’ un gesto psicologico, è un rito di passaggio in cui l’en travesti può determinarsi; è il guado dello Stige verso un femminile che non ha niente di risolutorio, e che impone gli alti coturni della tragedia. L’attore si mette a disposizione nella carne, nello spirito, nei gesti e nelle parole, per lasciare che esca, che viva il personaggio. Lascia agli spettatori lo stesso dubbio voluto dal drammaturgo, Annibale Ruccello.

Immagine della recensione dello spettacolo Studio sulle cinque rose di Jennifer — Ph Lia Stein

In questa drammaturgia, le altre presenze, le situazioni in cui, via via, si trova il personaggio, possono essere, forse, frutto di una proiezione, di un’ allucinazione da parte di Jennifer. In fondo si trova nella sua stanza, che, per estensione, diventa il suo mondo interiore. D’altra parte, la psicologia insegna che qualcosa è vero, è reale, nel momento in cui è la psiche a decretarne l’esistenza. Viviani e Beckett, Scarpetta e Ionesco si incontrano, in una drammaturgia che sa anche farsi fredda quanto l’amore evocato da Fassbinder. Se c’è qualcosa che l’autore, in questa pièce, fa divinamente, è tradurre la filosofia heideggeriana, il legame ai confini del dicibile tra essere e tempo che passa, attraverso la presenza umana. E’ un metronomo implacabile, Jennifer: non misura il tempo, perché lei stessa è il tempo, che si allunga, si squaglia, si esaspera, nell’elastico dilatarsi di ogni singolo istante.

E allora non può far altro che, pessoanamente, recitare il dolore che davvero prova, rifarsi il trucco, rassettarsi, regalare a sé e al suo pubblico il rossetto del migliore bel esprit, della battuta più puntuta, con cui trafiggere al cuore la noia dell’attesa. I fonemi passano, fatalmente, dai suoni evocativi dell’idioma partenopeo, ed è come fare un bagno nell’acqua densa dell’emotività. Non si può che offrire il proprio ventre, la propria “pancia”, a queste battute dal sapore napoletano. Fabrizio Kofler accetta la sfida, e guarda la platea come guarderebbe uno specchio, rilanciando il sempiterno dubbio sulla propria identità a tutti gli spettatori. Come un diesel, scalda il suo motore interiore, fino a portarlo all’urlo tragico, e, fin dall’inizio, mostra la lacrima sulla guancia di questo Pierrot, al di là del bene e del male, nonché dei generi sessuali. Certi sguardi vitrei, certi appuntamenti all’interno del monologo,sono verità dell’anima.

Diventano, insieme, schiaffi e carezze per il pubblico; benché fragile come uno scricciolo, Jennifer è capace di beccare e artigliare come un’aquila, e fare chissà cos’altro. La radio è la sua compagnia, il medium caldo di mcluhaniana memoria, che contribuisce ad alzare la sua temperatura emotiva. Si sentono dediche, canzoni cui appendere qualche stato d’animo o qualche ricordo, in grado di stordire la coscienza del tempo, almeno per pochi minuti. E poi, ecco l’annuncio dell’assassino dei travestiti, delle rose, dei fiori del male che sono pronti a sbocciare ovunque, anche nel giardino di questa drammaturgia. La radio, in fondo, è quanto di più vicino ai pensieri, alla realtà interiore, possa esistere: sembra fatta apposta per creare un coro tragicomico, tutto a disposizione della protagonista. Dioniso è già passato di lì da un pezzo, e ha lasciato nella stanza non il divino, ma solamente una bottiglia di vino.

Non è difficile immaginare che anche una Clitennestra, una Medea, una Fedra intrappolate in qualche squallido appartamentino della suburra, con il cuore ancora stracolmo di tragedia, ma con una realtà più adatta a una sceneggiata napoletana, non potrebbero far altro che attaccarsi a una bottiglia, e a un filo di speranza; filo che, fatalmente, diverrebbe quello del telefono. Quest’ultimo è la vera compagnia, quella protesi del proprio apparato acustico in grado di far ascoltare le voci, forse anche quelle di dentro. Tutte le sue parole, le più leggere e le più pesanti, sembrano indicare il silenzio e le pause che ci sono fra esse, verso quel posto inconoscibile e indicibile in cui se ne andrà la fiamma, una volta spenta la candela. Potrebbe svanire da un momento all’altro, Jennifer, come la fiamma di una candela. L’unica certezza ed evidenza è data dai generosi applausi, che bagnano il protagonista come una doccia catartica, rigenerante.

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ZIGEUNER ZIGOINER – Recensione Teatro

Pubblicato il 8 Dicembre 20218 Dicembre 2021 in Teatro di Danilo Caravà

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo ZIGEUNER ZIGOINER, la storia del pugile Johann Trollmann di etnia sinti, che vinse in Germania nel ’33 il campionato nazionale di pesi massimi. Il testo è ideato e interpretato da Claudio Pitzen. La regia è curata da Fabrizio Kofler. Questo lavoro è stato pensato e realizzato nella duplice modalità online e onlife.

Il pugilato dà l’impressione di essere una versione scarnificata, essenziale, di una dialettica tra due esseri che decidono di fare a meno della mediazione delle parole, che hanno già consumato i significanti fino all’osso. E allora battagliano tra di loro, camminano saltellando sul terreno bruciante, in bilico tra Dioniso e Apollo, regalando agli spettatori una sorta di sublimazione metafisica dell’istinto della guerra, vestito di un’armatura euclidea, trasformano lo scontro hobbesiano, che vuole l’uomo lupo per l’altro, nel lupo che diventa un uomo, e chiude i suoi artigli nel pugno contenuto nel guantone. Sarà per questo che le parole sulla boxe dell’attore Claudio Pitzen ti agganciano subito, e ti fanno sentire a pochi passi da quel ring dei primi anni ’30, con il fumo, il tifo indiavolato. Sarà per lo stesso motivo che proprio Brecht ha preso a prestito lo spirito sportivo con cui si guarda questa nobile arte.

E ha visto in questo sport il suo teatro antiaristotelico, un teatro che desse la possibilità allo spettatore di riflettere, di decidere, di valutare quale boxeur scegliere, e nel caso, anche di cambiarlo. Ci viene raccontata la storia del pugile Johann Trollmann, un pugile promettente degli anni ’30, uno di quelli in grado già di danzare sul ring, come una farfalla e di pungere come una vespa, anticipando Muhammad Alì. E il ritmo di questo monologo è quello di un match pugilistico, l’attore non spreca un fiato, l’occasione di affondare con i suoi uno – due fonetici. Guarda allo stesso tempo la platea e in macchina, guarda il suo avversario senza paura, e non abbassa mai la guardia. Bisogna avere un bel fiato per reggere gli interminabili 3 minuti di una ripresa, per stare in piedi nonostante i colpi ricevuti, ma Claudio regge sul ring un’ora e non molla un attimo.

Immagine della recensione dello spettacolo Zigeuner Zigoiner

E lo fa perché sa bene che la sua storia è preziosa, e deve arrivare come un diretto da ko sull’anima degli spettatori. Il pugile è di etnia sinti, e si ritrova nel mezzo della tempesta politica, civile, del nazismo, si trova discriminato, si trova a combattere sul ring più difficile, più ostile, quello del pregiudizio, del razzismo istituzionalizzato. Eppure, come il più convinto eroe tragico che non smette di combattere, nemmeno quando i suoi avversari sono ostili divinità, non si arrende, ed è sempre lì, in piedi, anche quando la vita gli dà tutti i pugni di un peso massimo. Viene sterilizzato, divorzia dalla moglie, per difendere la sua famiglia, gli viene a un certo punto tolta la licenza per poter boxare, lo mandano sul fronte orientale, lo mettono in un campo di concentramento. Eppure, malgrado le ferite, insieme fisiche ed esistenziali, gli ematomi, non si arrende.

Malgrado gli occhi che faticano a vedere al di là di un presente sempre più grigio, lo si ritrova lì, ancora in piedi, pronto non solo a incassare dei colpi terribili, ma anche a insegnare ad un perfido kapò che cosa significhi boxare da vero campione. L’interprete non getta mai l’asciugamano e partecipa al combattimento di una vita di questo pugile, sembra condividerne lo stesso sudore, la stessa fatica. A tratti ci restituisce una cronaca sportiva appassionata, e il suo termometro emotivo segna sempre una febbre fuori scala. È vestito con uno smoking da crooner, da cantante in grado di far scoprire al pubblico che anche il modo di boxare di un campione può diventare una sorta di swing, di danza jazz sincopata. Come il jazz riesce a giocare col tempo a proprio vantaggio, così fa il pugile con i suoi fraseggi, con gli interminabili assoli suonati con i pugni.

Mentre la batteria delle gambe suona i suoi tempi trascinanti, in grado di trasformare il pigro tic tac in un trascinante swing. Sembra, a vedere la foto, un pugile che sarebbe piaciuto a Visconti, un pugile con un’anima, un’adorabile faccia da schiaffi che corteggia, prima di tutto, con la costanza di un Don Giovanni, la vita stessa. Ogni round, ogni sezione del monologo è tesa, c’è giusto il tempo di qualche bicchiere d’acqua da consumare nei break. Ma il gong è sempre lì, è un suono silenzioso pronto a ricordarci che comunque la vita prosegue, che c’è qualche avversario, dall’altra parte, pronto a boxare con noi. Il ring, tutto sommato, è una riuscita metafora esistenziale, una volta che ci sei sopra, una volta che fai mettere a Sartre i guantoni, e dai all’esistenzialismo il sapore del tuo e dell’altrui sangue, non puoi uscire finché l’incontro non è concluso.

Ripresa dopo ripresa, come il pugile Trollmann, non ti arrendi, colpisci e subito ti sposti, schivi, perché l’avversario è come il sacco con cui ci si allena, brucia, lo si colpisce e ci si allontana subito dopo. È un teatro di narrazione, vero come i pugni presi e dati sul ring, genuino, un quadro di parole sincero, disegnato senza la mediazione del pennello, direttamente attraverso le dita fonetiche dell’attore. Le espressioni dell’interprete sono intense, come quelle del pugile, perché, prima ancora dei colpi, arrivano gli sguardi, e sono sguardi che ti atterrano, che ti inchiodano lì al tuo posto, e non c’è conteggio dell’arbitro che tenga. Tutti i fonemi sono umidi degli umori del cuore, della passione, dell’urgenza di un racconto, la cui importanza si capisce da subito. Ci si sente, a fine spettacolo, un pugno simbolico, prometeico, nella tasca, pronto a sfidare anche la categoria impossibile degli dei.

Fabrizio Kofler

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