Danilo Caravà, Autore presso Il Teatrante

Vietato sporgersi dentro, omaggio a Monica Vitti – Recensione teatro

Pubblicato il 2 Giugno 20232 Giugno 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Vietato sporgersi dentro

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Vietato sporgersi dentro, omaggio a Monica Vitti, di e con Alice Gagno. La regia è curata da Alessandra Casella.

Stanislavskij, secondo le testimonianze dei suoi interpreti, aveva un metodo eccezionale, una prova del fuoco efficacissima per misurare l’efficacia delle attrici e degli attori: il fatto di avere, o non avere, naturalmente, fede in quello che ascoltava. Il “non ci credo” era il suo, irrevocabile, pollice verso nei confronti di una scena. Alice Gagno, al contrario, avrebbe sicuramente raccolto il suo placet. L’attrice è la prima a credere in questa impegnativa trasformazione, essere Monica Vitti; e ci riesce affrontando da dentro il personaggio, mettendo a disposizione gli spazi dell’anima per ricostruire le dinamiche, anzitutto psichico-emotive, e poi esistenziali, di questa meravigliosa donna. Vi entra in punta di piedi, portando idealmente in tasca la didascalia che accompagna il personaggio del Padre pirandelliano, “con dignitosa umiltà”. A passo leggero e convinto, con un sorriso accogliente, si dichiara apertamente al pubblico.

Va al di là delle frontiere dell’immedesimazione e dell’epicità brechtiana; è la sintesi, la riuscita sovraimpressione di due anime che diventano una, che parlano in perfetta risonanza. Evidentemente, ha ragione il buon vecchio Jung, c’è sempre un serbatoio comune, metaindividuale, un inconscio collettivo cui attingere. Alice scava, scava, va dentro, si sporge, e non ha paura della vertigine di osservare e di raccontare, in prima persona, la profondità di questa donna. Lo si sente distintamente dalle armoniche di una voce che risuona di interiorità, che ha l’urgenza del racconto, e, per questo, comunica la necessità inderogabile del dire e, insieme, dell’essere. I suoi fonemi restituiscono quella matericità della Vitti, quella voce piacevolmente scartavetrata, arrochita, eternamente costipata di vita, attraverso pennellate grumose, che ti viene voglia di toccare con l’ascolto. Utilizza generosamente i colori dell’interiorità, come certi pittori naїf.

Immagine della recensione dello spettacolo Vietato sporgersi dentro omaggio a Monica Vitti

Esprime la forza gestuale del pennello, il vortice, il prendere sostanza della tinta cromatica. Diventa ora la Ragazza con la pistola, ora l’interprete in grado di fare un riuscitissimo sfottò alle laringi bronzate del tragico, nel pezzo : “Io non capisco la gente che non ci piacciono i crauti..”. Diventa, ancora, Teresa la ladra, che vive con un racconto naturale e, insieme, leggero, leggerissimo, come il piede di una ballerina classica, sempre sul punto di uno slancio, sincero e metafisico, verso le tavole del palcoscenico. Ha una joie de vivre che la attraversa, la fa vibrare, apparentandola, in un vincolo inscindibile, al personaggio interpretato. Anche quando fa rivivere Ti ho sposato per allegria, si destreggia con agilità dalla suocera alla moglie; trova un’irresistibile freschezza, applicando un rasoio interpretativo di Occam, che arriva a eliminare il superfluo, e tenere il necessario.

E, soprattutto, tiene sempre ben stretto il filo con la platea: il suo rapporto con il pubblico non si interrompe mai, nemmeno per un istante. Lo spettatore diventa la necessaria cassa di risonanza, specchio in cui osservare e moltiplicare la verità della sua risata. E lei se lo mangia allegramente, insieme alle sue battute, come in un rito collettivo gastronomico; una grande abbuffata, in cui potersi prendere in giro reciprocamente per la bocca rimasta sporca di panna. I suoi capelli -criniera incontenibile, raggiante e vivace come il cespo di sedano di una crudité– sembrano l’estrinsecarsi del suo spirito recitativo, la materializzazione di un’anima che si fa cosa salda di fronte al pubblico. Si impone una menzione d’onore anche alla regista dello spettacolo, Alessandra Casella, che ha dimostrato di essere una brava maieuta, levatrice del personaggio.

E’ riuscita, pienamente, nell’impresa di mettere l’attrice-autrice nelle giuste condizioni, per esprimere tutta la gioia e la spontaneità di questa particolarissima interpretazione. Limitarsi ad uno sterile e superficiale esercizio mimetico della Vitti sarebbe stata un’operazione persa in partenza, monotona, potenzialmente seriale quanto i prodotti di una catena di montaggio. Invece, questa pièce si è data il meraviglioso obiettivo di restituirci la piena tridimensionalità del personaggio; tridimensionalità che comprende la dimensione interiore, la ragion d’essere di certi sguardi, di certe sottili e immancabili malinconie, che accompagnano tutte le grandi personalità comiche. Recitare è stato, per la Vitti, vivere più intensamente, doppiamente, trovando un’altra tavola, ancor più abbondante e generosa, presso cui soddisfare il proprio appetito esistenziale. Non c’è film, non c’è inquadratura, dove non conceda quell’esatto momento dell’anima.

In ogni singolo fotogramma, aveva la capacità di travasare tutto, ma proprio tutto, il suo modo di vivere, gonfiando fino allo stremo un singolo istante. La Vitti era, soprattutto, il modo con cui percepiva il mondo, il modo con cui ci metteva i suoi perché, i suoi punti esclamativi, e i suoi puntini di sospensione. Quello sguardo intenso, che lei amava demitizzare, attribuendolo alla forte miopia, era permeato, in realtà, di un’ulteriore percezione sensoriale: una forma di fiuto o, meglio ancora, di tatto, con cui riusciva a leggere le situazioni intorno a lei. Grazie, davvero, a questo spettacolo, per aver reso omaggio ad una grandissima interprete; e anche per aver mostrato la fenomenologia di un’attrice, il dipanarsi del filo di un’interiorità, anzi di un’anima di donna, che si mostra in tutta la sua naturalezza, e che merita ogni applauso raccolto nel finale.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri, che troverete nella sezione teatro, e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate, inoltre, di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

La Lupa – Recensione teatro

Pubblicato il 20 Maggio 202320 Maggio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Nell’ambito della rassegna teatrale di STN-Studionovecento, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo La Lupa, con Ailin Tracchia, Allegra D’Imporzano, Andrea Bonzi, Andrea Pella, Angelica Topolino, Bianca Cerro, Bianca del Basso, Giacomo Piseri, Lorenzo Fonti e Valentina Sangalli. La drammaturgia (liberamente tratta da Giovanni Verga) e la regia sono a cura di Marco. M. Pernich.

La Lupa non è un semplice personaggio, non è soltanto l’estrema incarnazione dell’ennesima Medea: è una categoria dell’anima, uno stato dell’essere, la quintessenza di Dioniso e, quindi, dello spirito del teatro. E Dioniso è, a sua volta, quello che si potrebbe definire una sorta di anti-divinità, nel rifiuto di adeguarsi passivamente al Fato, all’ineluttabile metafisico. Insomma, la Lupa è quanto di meglio si possa trovare, per ricreare lo spirito della stessa tragedia che viveva nel teatro di Dioniso. Il regista, Marco Pernich, trasforma la scena in un’orchestra e crea una skenè, ritrovando la parola che, con la propria libertaria divinità, sfida quella degli altri Numi. La protagonista si muove come una creatura a quattro zampe, aracnica, vissuta da un divino irriverente che si esprime, in pieno, nella carne. Sembra vivere, pervasa da una forza irresistibile, in una cerimonia di Candomblè, i cui partecipanti, danzando e muovendosi freneticamente, sono abitati dalle divinità.

Come sarebbe piaciuto a Fersen, questo lavoro teatrale. Non più un approccio teologico alla scena, bensì teurgico, in cui i cieli siano dichiarati disabitati, e l’umano si apra a un disperato e disperante fiato “numinoso”. La Lupa è una dea madre, un’Ecate, un’Astarte , un’Iside, una Kali: è l’eterno femminino, necessariamente umorale e carnale. Scopre i seni come gesto rituale, apotropaico, che la trasforma in un archetipo, in un segno di una poesia profondamente sensoriale, percettiva. Fa l’amore non solo con il corpo, ma con i pensieri, con i gesti, con le parole, rivendicando un approccio “orgasmico” con la realtà; se gli dèi condannano alla fine, che sia, come la definiscono i francesi, una douce mort. La figlia, apparentemente passiva, è, in realtà, l’elemento in grado di scardinare i meccanismi classici della tragedia. La sua inazione è più una rivendicazione esistenziale, volontà di porsi all’estremo opposto rispetto alla madre.

Immagine della recensione dello spettacolo La Lupa

Ecco perché rifiuta il rito del capro espiatorio da compiere sulla madre; ecco perché, con la potenza di un Bartleby melvilliano, dichiara il suo inemendabile “avrei preferenza di no”. L’uomo della Lupa è il classico eroe tragico sofocleo, giocato a dadi dagli dèi: ora libero, ora prigioniero, ora ateo materialista, ora credente penitente, pronto a sfilare in processione. Sua sorella e il rispettivo compagno cercano di sfuggire all’irresistibile forza centripeta di questa storia, all’Ananke che si stringe intorno alla gola della Lupa; riescono ad accomiatarsi nel finale, sparendo dalla storia. Escono dalla luce del cerchio di Dioniso, perché si prepari il woyzeckiano finale, illuminato dalla luce rossa di un coltello. Il coro delle tre Parche, intanto, fila la storia, la osserva, la metabolizza, la normalizza nel filato delle parole e del testo scenico. Si animano in un rito arcaico, profondamente e deliberatamente pagano.

Rappresenta la loro luna nera, la parte oscura delle comari, che guardano la storia intorno a loro come regine del tua culpa. Niente è davvero come sembra: tutto scorre, i sentimenti, le personalità, ed Eraclito regna incontrastato. Il prete cerca di rivestire i panni di uno stanco raisonneur, che proprio fa fatica a far stare il quadrato della razionalità apollinea nel cerchio di Dioniso. Mentre, sul fondo della scena, il punto di fuga è rappresentato da due mezzibusti bianchi: vestigia di una metafisica pittorica, dechirichiana, simboli del maschile e del femminile che hanno abbandonato il tao del nero contrapposto al bianco. Ogni scena è un tableau vivant, un quadro in movimento; una ricca iconografia fatta, prima di tutto, di immagini, di distanze e vicinanze che si giocano, ogni volta, in forma differente. Gli dèi si negano e si abiurano, sconfessandosi, perché possano nascere in altre forme.

Si tiene conto della lezione di Dioniso, pronto, come la fenice, a rinascere dalle proprie ceneri. La tragedia è una summa del grande triumvirato greco: Eschilo nel dinamismo irresistibile dei personaggi; Sofocle nel terribile gioco del gatto col topo, compiuto dal Fato nei confronti dell’umano; Euripide, infine, nella dialettica, nella scoperta delle voragini psicologiche dei personaggi, nel comprendere che ci sono più cose nell’umano che in cielo e in terra, rovesciando l’assunto di Polonio. Le luci tagliano, delineano, questi marmi umani, viventi. Una vampa di irrazionalità, di passione, splendidamente valorizzata, nei pieni orchestrali, da una luce rosso sangue. I luoghi deputati dell’azione hanno la caratteristica della circolarità, dell’eterno ritorno; raccolgono i personaggi come i numeri sul quadrante dell’orologio, mentre i corpi tagliano come lancette il tempo, lo sfibrano, lo accorciano o lo allungano.

Sono come le gambe di Woyzeck, un rasoio pronto a tagliare la gola al placido scorrere delle cose. Il maresciallo tenta di trovare una normalità che non esiste, e non ha nemmeno un soldato con cui lagnarsi, mentre si fa fare la barba. La processione religiosa è un istante meravigliosamente congelato nella calura siciliana: un falso movimento, un’immagine che sta per muoversi, minaccia di farlo, ma non lo fa. La rappresentazione iconica del sacro non riesce a muovere un passo, mentre la Lupa ne muove molti, uno dopo l’altro. Incarna la convinzione granitica di un’Antigone, la sensualità magico-misterica di una scatenata Medea, e porta in sé un’intera legione di Baccanti, pronte a consumare d’amore la carne, fino allo smembramento. E, proprio come Bocca di rosa di De Andrè, porta a spasso per il paese l’amore sacro, esattamente coincidente con quello profano. Signore e signori, la tragedia è servita!

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri, che troverete nella sezione teatro, e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate, inoltre, di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

La Monaca di Monza alias Suor Virginia Maria alias Marianna de Leyva – Recensione Teatro

Pubblicato il 8 Maggio 20238 Maggio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo La Monaca di Monza

Nell’ambito della stagione teatrale 2022/2023 di PACTA. dei Teatri vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo La monaca di Monza alias Suor Virginia Maria alias Marianna de Leyva. La drammaurgia e la regia sono a cura di Annig Raimondi, che interpreta anche la parte della protagonista. Con lei, in scena, Alessandro Pazzi ed Eliel Ferreira de Solusa. Il testo comprende scritti di Manzoni, Diderot, Stendhal e Testori, nonché atti del processo.

C’è un’implacabile geometria di spazi e di luci, ad attendere lo spettatore. Un Mondrian essenziale, volto a carpire i segreti pitagorici, matematici di un’ineffabile vicenda umana. L’intuizione iniziale di questo spettacolo è, già di per sé, oltremodo efficace: lo spirito apollineo della scenografia e dell’illuminotecnica si incontra, e si scontra, con lo spirito dionisiaco, ovvero l’alta temperatura emotiva espressa nel processo della Monaca di Monza. il mos geometricus delle regie di Bob Wilson si fonde, felicemente, con la lava della parola testoriana. Nei fatali tableaux vivants che si formano, l’uno dopo l’altro, con precisione millimetrica, nell’ideale galleria pittorica di un martirio volutamente deviante e deviato, le parole della protagonista sfuggono dalla tela, la imbrattano, la tagliano, come rasoiate di un Fontana terribilmente inferocito. L’attrice usa il cappuccio come una maschera, o meglio come le maschere di un personaggio, ben al di la’ delle latitudini pirandelliane.

E, per scriverla alla Oscar Wilde, la verità è una menzogna che non è ancora stata scoperta. I volti, le espressioni, i toni della voce sono molto più che maschere: rappresentano le sovraimpressioni continue di una personalità, che scorre più fatale ed implacabile del fiume di Eraclito. Come la Regina degli scacchi, la Monaca si muove in ogni direzione, violando la severità geometrica dei passi e dei vettori. Il fondale diviso, in forma manichea, tra luce e ombra, tra puro colore e forma, sintetizza, anzi arriva a costituire, una panorama astratto, metafisico; esprime l’enigma di un essere umano in cui la cartina di tornasole del giudizio terreno, sia esso etico, giuridico o canonico, letteralmente impazzisce, mostrandoci ora il rosso di un ambiente acido, ora tinte bluastre di un ambiente alcalino. A Suor Virginia Maria viene, in questo lavoro, pienamente, visibilmente riconosciuta la patente di personaggio tragico, generato da un ideale Euripide.

Il destino la lega, e, con la stessa velocità, lei inganna i nodi che la stringono, giocando una partita contro la dike, l’antica giustizia divina, e tutt’altro che da perdente. Il processo ha tutta la parvenza di un tentativo di lunga seduta psicanalitica, in cui si cerca di arrivare all’impossibile inconscio della protagonista. Freud diceva che l’inconscio è quel signore davanti a me, di spalle, di cui posso vedere solamente la nuca; e non a caso l’attrice, durante il processo, dà la schiena ai suoi giudici, che non riescono a coglierne l’ineffabile essenza, e la condannano ad essere murata viva. Ma anche questo è un falso finale: la Monaca di Monza avrà il suo riscatto, e riuscirà, a distanza di anni, a farsi liberare. Ancora una volta dà scacco matto, o, almeno, arriva a patta con il dio della tragedia. La drammaturgia riesce a creare una riuscita policromia.

Si attinge ai colori storici del Manzoni, alla carne, febbricitante di passione, di Testori, ai paradossi attoriali diderotiani e alla profumata essenzialità stilistica di Stendhal. Annig Raimondi, che cura anche la regia e la drammaturgia, è letteralmente un mistero che cammina, anzi, incede con solennità sulla scena. I suoi fonemi sono presi giù, nel profondo ventre di Gea; le sue parole, come le pietre di Meister Eckhart, sono Dio, ma non sanno di esserlo. Suona secondo tutti i registri, tutte le partiture di un personaggio che sfugge decisamente a qualunque categorizzazione. Annig suona la sua anima come farebbe l’orchestra psichica di Pessoa, donando una persona per ogni singolo stato d’animo. Alessandro Pazzi è un Vicario che domanda, interroga con la caparbietà e con la curiosità di un Orazio shakespeariano: e non può non concludere che c’è del metodo, in questa apparente follia.

Incarna, simbolicamente, una ragione che si sforza, invano, di sciogliere questa sciarada, questa irrisolvibile equazione umana. Eliel Ferreira de Sousa porta con sé, nell’accento latino, il caldo brivido di paura, prima di tutto fonetica, di un Inquisitore, di una legge che alza la voce perché, troppo spesso, è dura d’orecchi. Insieme, hanno la capacità di inserirsi nel paesaggio geometrico della scena, dove le luci battagliano continuamente con il buio, e scorrono sicuri, come le biglie sul tappeto verde di un biliardo. Nella distanza tra i personaggi che colonizzano ogni punto di questa scenografia, si giocano partite verbali incredibili, dove le parole descrivono curve, rotondità, cerchi dionisiaci, in grado di mettere in discussione continua la rigidità geometrica. Imperiale il momento in cui viene trasportata sulla sedia dotata di rotelle, metafora di una dea in machina: un destino diversamente abile, che si cerca, meccanicamente, di istradare sui binari del cosiddetto buonsenso, e della morale comune.

La vita, in questa Monaca di Monza, decisamente vive, dando mostra di sé e del suo cercarsi, trovarsi, inventarsi di volta in volta. Ora spaventata, ora severa e azzimata, ora combattiva e pronta ad infiammarsi, ora avvocatessa della sua causa, ora giudice: sempre, riesce a cogliere l’adesso, il singolo istante psichico del personaggio, Rispetto al basso continuo dei suoi interlocutori, esprime una melodia complessa, una fuga bachiana, un canone in cui le voci di una stessa coscienza si sovrappongono, per formare un coro tragico. Si staglia, unica ombra viva, di fronte a una moderna caverna di Platone; insieme apparenza e sostanza, oscurità e luce, che parla, nell’ultima fatale dissolvenza in nero alla platea, come essere vivo e vitale, in grado di aprirci varchi di dubbio e di emozione sincera . Sono tutti meritati i generosi applausi.

Se vi è piaciuto questo articolo, vi consigliamo la lettura degli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non dimenticate inoltre di ascoltare il nostro podcast per approfondire i vari aspetti del mondo teatrale.

Angiulina la Mula – Recensione teatro

Pubblicato il 8 Aprile 20238 Aprile 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Angiulina la Mula

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Angiulina la Mula, un monologo dal sapore testoriano e ruzantiano, scritto e interpretato da Rossella Raimondi.

E’ una reine, una regina, la protagonista di questo spettacolo: un’attempata sovrana, seduta su una comoda, così come l’avrebbe declinata Testori. Una donna rimasta sola a tirare sassate contro il cielo, a dialogare con gli dei dell’antica tragedia, diventati, qui, il variegato pantheon dei santi cattolici. Un grammelot col sapore della sbrisolona, o di certi salami mantovani (fatti quasi apposta per ricordarti, nietzschianamente, che siamo un po’ meno divinità per colpa del bassoventre) accompagna lo spettatore nel sentiero monologante di questa Molly joyciana, che si è rotta l’anima, e si è spaccata la schiena, per tutti i sì che ha pronunciato. Eccola qui una novella, brechtiana, Madre Coraggio, che cerca di sopravvivere, insieme alla sua prole, in mezzo alla guerra perpetua dell’esistenza. La sua voce viene direttamente dalla terra, rubando il suono blobbeggiante di certe polente, cotte a fuoco lento nei paioli di rame.

E’ una pianta umana, ostinata, che ha messo radici nella terra più difficile, come la ginestra di Leopardi. Rappresenta una sorta di Calibano al femminile, costretto a una forzata immobilità, che si deve inventare da solo le magie di un Prospero parecchio latitante e discutibile. Ma, prima di ogni altra cosa, sulla retina della platea si imprime l’immagine di una bocca, una bocca rossa, carnosa, che sembra uscita da un quadro di Ensor, sì, di un pittore espressionista: una bocca che ha tanto di quel vento dionisiaco da soffiare, in grado di scuotere anche lo spettatore più inerte. Si mettono le mani nella terra dei fonemi, ci si sporca le dita, ed è bellissimo tutto questo. Ci immergiamo nel ventre stesso di una madre archetipica, nel suo sentire più profondo, autentico, sincero. Ancora è la carne a vincere la partita, con ragioni che l’anima non conosce.

Anzi, quest’ultima può vivere attraverso squarci di luce, nel racconto della fatica, dello strazio, di una Mula che si è portata il peso del suo mondo sulle spalle. La sua ira, la sua voglia di revanche, non ha niente da invidiare a quella del Pelide Achille, o di altri eroi omerici. L’eroina tragica, invecchiata, portata fuori dalla reggia e catapultata tra noi, sarebbe esattamente così, senza freni inibitori, senza auliche sordine testuali. Ma sa anche esprimere la più alta e struggente poesia quando impara il gesto della carezza, quando trasforma in un’ala d’angelo la sua mano callosa, ruvida. E poi c’è quella tematica scatologica, quella merdra di Jarry che ritorna, come una sorta di ribellione, di vessillo rivoluzionario, originato dalle cose più basse; una fissazione freudiana diventa la riuscita metafora di un’anima costipata, che non vede l’ora di liberarsi, applicando quella necessità igienica del raccontare, teorizzata da Svevo.

La drammaturgia rispecchia l’accurata stenografia di un flusso di coscienza, di un’affascinante incontro, e sintesi, tra Aristofane e Euripide. Questo parlamento di una femminile Ruzante, che iera vegnù de campo, arriva direttamente nelle viscere dello spettatore, le scuote ben bene, e arrossa le gote come certi vini rustici che, già al secondo bicchiere, ti fanno sentire la testa leggera. Rossella Raimondi è una fedele, convinta, sacerdotessa di Dioniso: vibra ed è scossa da ogni fonema, non tralascia, non trascura, alcuna emozione. Esprime un Hamm beckettiano e il suo finale di partita, e trasforma il suo dire in Clov, nella parte perennemente in piedi e in movimento. Ha, del giullare, la vocazione al racconto vero, vivido, in prima persona; racconto costruito con una lingua che sa non solo adattarsi alle emozioni da esprimere, ma è in grado di far sentire l’odore, persino il sapore, di questi sussulti interiori.

Non si limita a dire una vita, ma lo è, in tutta la sua verità, in tutti gli aspetti, dai più bassi ai più alti. Rende le braccia scenografia, palcoscenico: due creature dotate di vita propria, in grado di farsi altrettanti personaggi. E come riesce a muovere, ad agitare le parole, trasformandole in una frusta, il cui segno brucia tremendamente sull’anima. I suoi J’accuse, la sua immediata concezione di vita, di un Sisifo stufo di portare lo stesso sasso avanti e indietro, valgono quanto un intero trattato di filosofia esistenziale. Di nuovo, fatalmente, ritorna Testori, col rinnovarsi della storia dell’ennesimo martire, della santa apocrifa, che rovescia tutto, coi piedi sporchi dei santi caravaggeschi: umana al massimo grado. La scena si colora di blu, per un mare evocato che si mescola con il rosso, e con la luce dei fari.

Si realizza un perfetto tableau vivant; quadro, insieme baconiano e rinascimentale, di una perfetta contraddizione, che è la vita stessa. E la catarsi è sempre lì ad attendere la protagonista, nell’agognata deiezione, rovesciamento surreale, irrispettoso della purificazione della tragedia, come solo un Aristofane, un Plauto potevano ideare. In coda al racconto, accade che il rifiuto organico diventi l’offerta luminosa e numinosa di un essere unico e speciale, che sa, come De André, che dai diamanti non nasce niente, e dal letame nascono i fiori. Questo è l’ultimo dono scomodo che la carne può fare a se stessa e al mondo, svuotandosi le viscere, diventando quella sorta di corpo inorganico teorizzato da Artaud; mummia eterna, soggetto poetico, in grado di trovare la luce della poesia persino nella padella destinata a fertilizzare quella stessa terra di cui è fatta questa meravigliosa Mula, che si merita tutti, ma proprio tutti, gli applausi generosamente tributati.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri, che troverete nella sezione teatro, e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate, inoltre, di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Incontrando il signor G. – Recensione Teatro

Pubblicato il 23 Marzo 202323 Marzo 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Incontrando il signor G.

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Incontrando il signor G. L’omaggio all’originale, e unico, teatro-canzone di Gaber è portato in scena da Enrico Ballardini e Riccardo Dell’Orfano.

Ci vogliono due polmoni speciali, per portare in scena il signor G; anzi, occorre anche un diaframma che si gonfi di generoso vento interpretativo, come a condurre un veliero. Sì, perché Gaber va oltre Brecht, e crea uno sprechgesang tutto suo, un meticciato unico e incredibile tra parola e canzone, tra prosa e poesia. E i protagonisti di questo spettacolo hanno tutte le carte in regola per vincere questa sfida. Come i due legionari del De bello gallico, si danno la mano l’un altro, si sostengono a vicenda, si passano la palla verbale come fantasisti brasiliani, maestri nel gioco carioca. E, sin dalle prime battute, in platea si ha l’impressione di bere un vino forte, tannico, corposo, uno di quelli che ti scaldano subito le guance, il cuore, la testa. Mettono entrambi l’anima, e tutta la loro carne, nell’interpretazione.

E questo fa, di gran lunga, la differenza. Dionisiaci per vocazione, apollinei al momento giusto, quando la carrettella teatrale deve arrivare in cima ed esitare un attimo, giusto prima di un meritato applauso. E poi, c’è la musica del signor G; anche qui, gli interpreti danno gran prova cantando nell’unico modo possibile, ossia con sincerità, e mettendo nella voce quella luce che va trovata giù, giù, nel fondo di ogni possibile intenzione. Una fisarmonica diventa tutto un mondo, un girotondo, una giravolta, un’intera sala da ballo gioiosa e chiassosa. Si presta meravigliosamente a raccontare le emozioni umane a tutte le latitudini, coprendo l’intero spettro cardiaco: dalla malinconia, alla risata piena, di pancia, divertita e goduta. Qui non si “deliba” uno spettacolo con forchettine, coltellini e posateria varia; qui, signore e signori, si mangia con le mani, si sente il gusto, si tocca, si percepisce.

Nel teatro più riuscito, come questo, avviene un particolare miracolo, per cui è come se ci fosse una sorta di ipoteca tattile, ovvero la possibilità che, prima o poi, l’interprete tocchi, letteralmente, lo spettatore (e anche questo accade). E’ unica e irripetibile la magia di questo spettacolo, in grado di farti sentire la carne, i corpi, prima ancora che possano, in qualche modo, sfiorarti. E, ancor più, è un miracolo il farsi cosa salda della parola, recitata e cantata, essa stessa interprete del corpo; cosa viva e vitale, pronta a esplodere, come una supernova, in faccia a ogni spettatore. L’operazione è più che riuscita, visto che riesce davvero a toccare gli atri ed i ventricoli del teatro-canzone di Gaber. Non si limitano ad imitarlo, a farne una copia fotostatica, un cliché stanco e ripetitivo; piuttosto, lo elettrificano con la loro interpretazione, lo innervano.

Lo riempiono di quello spirito caustico, satirico, mordente del signor G, che sapeva leggere la società, e l’individuo, con una capacità di penetrazione ineguagliata. E’ talmente entrato nell’immaginario collettivo, che è irrinunciabile, da parte del pubblico, unirsi al coro della canzone La libertà. A dimostrazione che la parola di Gaber ha il potere di risvegliare qualcosa, in noi, di sonnecchiante ma non intontito, pronto a rivitalizzarsi con gli stimoli giusti. Enrico Ballardini, col suo viso antico, la barba da eroe omerico e il fuoco nello sguardo, è in grado di mesmerizzare immediatamente la platea, e un suo gesto potrebbe essere la formula canonica dell’ipnotizzatore: a me gli occhi, please. Nuota, letteralmente, nel testo e nelle canzoni, e non ha paura di andare dove non si tocca, di bagnarsi, di sporcarsi di parole, di farsele risuonare dentro, di spremerle fino a coglierne l’ultima goccia di senso e di vitalità.

Con la chitarra blueseggiante, e una tastiera vintage moogheggiante, costruisce un tessuto sonoro, in grado di donare un valore aggiunto alle canzoni. Riccardo Dell’Orfano, come un guascone dal cuore buono, porta con semplicità il pennacchio cyranesco della sua recitazione; è un Sancho Panza illuminato da un senno speciale, un raisonneur rorido di emozioni. E la sua fisarmonica sembra il naturale prolungamento della sua stessa voce, di tutte quelle emozioni che non ci stanno nelle parole, ma sono immediatamente espresse sui tasti dello strumento. Entrambi respirano con il diaframma, quasi tamburi di guerra, e come respirano; sembrano voler inghiottire il mondo, per poi restituirlo tutto, insieme a loro stessi. La fronte bagnata di sudore, la fatica che si mostra sulle loro camicie, sono testimonianza di un impegno che non viene mai meno per l’intero spettacolo, di una generosità assoluta.

Tutte le cellule dell’interprete, biologiche o spirituali che siano, devono fare la loro parte, per la riuscita dello spettacolo. Tutto il corpo è strumento, anzi orchestra, in grado di aggiungere la propria voce a quella dei due attori. Questo omaggio a Gaber profuma, decisamente, di cuore; si candida ad essere uno spettacolo diverso, altro, capace di risvegliare il senso più profondo di questa particolare forma d’arte scenica. Basta vedere, ascoltare la naturalezza con cui, da un monologo, si passa a una canzone, con una soluzione di continuità in cui non è possibile determinare dove finisca uno, e inizi l’altra. E quel particolare grassettato, quell’umore caldo che anima i fonemi di Gaber, è presente, come non mai, nei due interpreti, che si meritano tutti, ma proprio tutti, gli applausi con cui il pubblico può, catarticamente, tributare loro il giusto riconoscimento.

Immagine dello recensione dello spettacolo In contrando il signor G.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri, che troverete nella sezione teatro, e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate, inoltre, di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Tra i binari – Recensione Teatro

Pubblicato il 18 Marzo 202318 Marzo 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo

Nell’ambito della rassegna Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Tra i binari. L’elaborazione drammaturgica, la voce e il canto sono a cura di Cristina Castigliola. Gli arrangiamenti e le esecuzioni dei brani musicali sono curati dal pianista Carlo Buongiovanni.

Il treno sembra fatto apposta per seguire i ritmi dei pensieri, per essere un attaccapanni dove appendere i propri sentimenti, anche quelli più nascosti, e renitenti alla luce della coscienza. Ti lascia il tempo di un saluto alla partenza, ti fa scorrere le immagini dal finestrino, come fossero un film del paesaggio. Tutto questo, Cristina Castigliola lo sa, e si inventa un meraviglioso omaggio teatral-musicale a questo mezzo di locomozione che è entrato, a buon diritto, nel nostro immaginario collettivo, quasi un archetipo junghiano. Cristina, poi, ha un modo tutto suo di stare in scena: ogni cellula del suo corpo esprime, anzi, letteralmente, esplode in una irresistibile joie de vivre. Si abbandona allo scorrere del testo con naturalezza, si bagna di parole; si diverte, idealmente, a schizzare il pubblico con quell’acqua fonetica. Avvertiamo l’inequivocabile calore, la vampa di una passione teatrale che brucia con generosità.

Ma, più di ogni altra cosa, è capace di prendere su di sé il ritmo dello spettacolo. Sale sulle note dell’Honky Tonk Train Blues e sembra una Arianna in love per il suo Dioniso, una Baccante che comincia a riprodurre quegli inconfondibili sbalzi che accompagnavano i viaggi sui treni a vapore; emana il fascino irresistibile del movimento di una freccia meccanica scagliata, da un oceano all’altro, nell’America dei grandi sogni. E sono davvero grandi i sogni dell’interprete, che li coniuga, uno per uno, tutti legati al treno. Non può mancare C’era una volta il West: la musica inconfondibile di Morricone, che, più che musica, è uno stato dell’anima, un discorso interiore altrimenti incomunicabile a parole. E come per magia, appare Claudia Cardinale, la donna fatale del film, che atterra con i sorrisi meglio di un bounty killer con la colt.

Immagine della recensione dello spettacolo Tra i binari

E come sorride Cristina, con la naturalità con cui voi od io potremmo bere un bicchiere d’acqua. Pare che tutto il suo essere si inarchi come due labbra, per diventare quel sorriso in purezza, che dona il senso più profondo allo spettacolo. Un po’, tanto per rimanere nel territorio leoniano, come l’enigmatico e risolutivo sorriso di Noodles nella fumeria d’oppio. Carlo Buongiovanni, il pianista, scivola, con le sue note, come fosse un vestito di seta, tra le parole dell’interprete. Trova con l’attrice una goethiana affinità elettiva, una complementarietà. E, proprio come funziona per certi paesaggi fatti di cielo e mare, non si potrebbe dire con certezza dove finisca la musica e incominci il testo. Avviene un vero processo di osmosi, di scambio continuo; la mano sulla tastiera diventa la danza di parole e di corpo di Cristina, che si lascia attraversare dal brivido elettrico della musica.

Non mancano brani più contemporanei, sempre legati al treno. Una struggente interpretazione de I treni di Tozeur, in cui la voce, gravida di anima, ne fa sentire il profumo all’ascolto. La stessa cosa avviene per il testo de I treni a vapore, in cui il corpo diventa tutto insieme vocalità, si mette a disposizione del canto, in esso si sublima e si trascende. E’ generosa l’interprete nel donarsi, nel donare la propria luce guizzante, come quella del sole sul mare. Ha urgenza di farsi Pizia, sacerdotessa dell’antico rito teatrale, di giocare seriamente con la propria recitazione, di costruire un quadro mettendo i colori con le mani, sporcandosene felicemente, e invitando il pubblico tutto a godere, insieme a lei, di questa festa. Ed ecco riapparire, idealmente, il nume tutelare del teatro, Dioniso, nello spirito di una creatura, che è un inno alla gioia incarnato.

Esprime l’ebbrezza che ti dà un vino tannico e generoso, la voglia invincibile di fare della vita tutta un canto, di festeggiarla, di onorarla su di un palcoscenico. Se c’è ancora una qualche forma di sincero umanesimo in teatro, lo dobbiamo a interpreti come Cristina, che rende il corpo la sua anima più diretta, più immediata. Mentre il pianista disegna suggestivi paesaggi sonori che ti portano via, ti fanno salire in carrozza, e ti fanno scorrere, nota dopo nota, uno spartito fortemente emotivo. Interpreta con la stessa generosità dell’attrice; anzi, nasce un rilancio certamente virtuoso, una sfida a quanto cuore sia possibile mettere su un tasto di piano, o nel fonema di una battuta. Non esiste più un tempo oggettivo, un meccanico scorrere dei secondi, ma c’è il tempo del viaggio, che si dilata o si stringe a seconda dell’umore.

Proprio come una fisarmonica, o i cieli d’Irlanda, si apre e si chiude, a seconda del prevalere dei sentimenti, dei moti dell’anima del momento. E certe battute sono veri e propri fraseggi, improvvisazioni jazz, scale che si impennano veloci, fino a darti le vertigini, e ti portano esattamente lì, su quella parola in cui si deve trovare requie. E’ stata certamente una felice intuizione, quella dell’attrice, di dedicare uno spettacolo al treno, legandolo a quella sensazione che anche il più scafato pendolare prova sempre: quando, pur stando fermi, ci si comincia a spostare. Ecco, Cristina riesce proprio nello stesso miracolo, e la sensazione dello spettatore è quella stessa del viaggiatore, muoversi pur stando fermi. Si ha l’impressione di spostarsi insieme al racconto, e che non importi quale sia l’inizio o la fine, ma solo il ritmo di quel viaggio: un irresistibile boogie woogie.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate inoltre di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Stasera si va accapo -Recensione Teatro

Pubblicato il 29 Gennaio 202329 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Stasera si va accapo

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Stasera si va accapo, con Marilina Giaquinta e Anna Nicoli. L’azione artistica è curata da Paola Brusa, e le musiche sono realizzate da Marco Pagani.

C’è un meraviglioso duetto, nell’opera lirica di Delibes Lakmé, chiamato duetto dei fiori, nel quale due donne si cantano l’anima vicendevolmente, accarezzando l’udito con la seta delle loro voci: ecco, le protagoniste di questo spettacolo hanno riprodotto quelle stesso effetto. Due voci, declinate al femminile, sono la quintessenza dell’umano, con il profumo di una metafisica sottile, lirica, che riesce a intridere di sé ogni ascoltatore. Marilina Giaquinta e Anna Nicoli vivono in scena un’unica ed irripetibile affinità elettiva, un magnifico gioco di specchi della galleria di Versailles, momentaneamente spostata a Milano, in piazza della Repubblica. Sono gioiose baccanti, che vibrano ancora di un rito dionisiaco misterioso, come il terzo uomo aristotelico, che vive in loro; ma, soprattutto, sono e dimostrano, con la loro voce e la loro presenza, tutta l’urgenza, la ribollente magmaticità dell’esserci.

I loro sorrisi, che vivono, nella percezione della platea, in una mesmerizzante soluzione di continuità, riproducono la linea curva dell’arco di Ulisse, in grado di scagliare frecce che ti arrivano fino ai più remoti anditi cardiaci. La scrittura di Marilina è materica, fisica, ha una sua percepibilità da parte di tutti i sensi. La si può toccare, odorare, fiutare; ne potrebbe seguire la scia anche il Gassman cieco di Profumo di donna. Qui si fa tesoro della lezione aristotelica della Poetica: la poesia non è data dalla forma esteriore, ma da quella ipoteca, quella sfida di universalità che sa lanciare, quello squarcio di assoluto che sa trovare tra le pieghe ritorte del linguaggio. L’etologia, l’astronomia, la scienza diventano una lucente occasione di proporre poesia. Si ritorna, felicemente, ai presocratici. Non a caso l’autrice proviene dalla Sicilia, dalla Magna Grecia, in cui la filosofia era espressa in forma poetica;

basti ricordare Parmenide, Eraclito, Empedocle. E, proprio come quest’ultimo si getta nel ventre del vulcano Etna, così l’autrice si immerge nella lava, nella materia ancora viva e vitale del linguaggio, e la restituisce allo spettatore, in tutto il suo calore e la sua forza. L’amore che qui si canta, è quello, disperato e disperante, necessario, estremo, delle due unità separate dell’essere androgino, che, una volta ritrovate, si abbracciano selvaggiamente, nel desiderio di fondersi. Il corpo diventa la bacchetta del rabdomante lirico, in grado di vibrare decisamente, laddove si trovi una fonte di questo eterno sentimento. Lo spettacolo si arricchisce, si sdoppia, anzi si triplica, attraverso l’intervento di due artisti, che aumentano la percezione sinestetica della pièce. Il musicista e compositore Marco Pagani crea delicatissimi passi di danza sonora, tessuti serici musicali, che frusciano felicemente tra la grazia tersicorea delle parole di questo spettacolo.

La pittura di Paola Brusa è un atto totale del corpo e dell’anima: un quadro di Pollock vivo, materico, trasudante emozioni e pensieri, che si arricchisce di parole, e si lascia scorrere nel fiume eracliteo, mai uguale per due volte, di ogni singola rappresentazione. Anna Nicoli ha ragioni del cuore che nemmeno Pascal conosce: nello sguardo porta la luce del sì alla vita della Molly Bloom joyciana, la curiosità impertinente e giocosa degli angioletti di Raffaello, la tenerezza pudica nel primo bacio dei puttini di Bouguereau. Ascoltarla è come sentire lo scorrere puro di una fonte, la semplicità e l’immediatezza del rumore dell’acqua che lega, nella sua essenza, il visibile e l’invisibile. Porge ogni fonema con delicatezza, come se offrisse, idealmente, fiori eterei al pubblico. Marilina Giaquinta porta il suo siciliano in dote alle parole che pronuncia, e lo fa liberamente cortocircuitare in un gioco gaddiano,

In questa dimensione il linguaggio si scrolla di dosso tutta l’accademica bronzatura, e tutta la pesante armatura del dover significare in modo univoco . La sua parola è veloce, agile: fa capriole, ha l’argento vivo dell’enfant terrible, ruba grappoli di luce al cielo della poesia, donandoli con generosità. Riesce a ritrovare la forza divulgativa della scienza nella sua poesia, colorandola e sfumandola con nuances tenui; riesce a suonare, parlando, emozionanti pianissimo. Ha, con la sua voce, lo stesso struggente spirito di Beethoven nel film Amata immortale, che suonava il Chiaro di luna con l’orecchio attaccato al pianoforte, per “sentire” la vibrazione della sua musica. Ecco, l’autrice vuole far sentire le sue parole, vuole ricreare l’atto stesso, il terremoto emotivo che le hanno generate; le modella, le plasma in corpi sempre cangianti.

Il senso del tatto aleggia in tutto lo spettacolo, come una forza di attrazione misteriosa e invincibile, un desiderio di voler percepire anche con la pelle la poesia, sentirne l’immediatezza corporea, così come sensazioni corporee erano le estasi delle sante e dei santi. E, di nuovo, un misterioso sorriso si palleggia da un’interprete all’altra, contagiando i due artisti e tutti gli spettatori. Si realizza il miracolo di vedere La dama con l’ermellino condividere il misterioso arcuarsi delle labbra della Gioconda. E’ l’immediata, indeterminata, enigmatica chiosa al bisogno d’amore che viene comunicato in ogni verso poetico. Il lungo applauso finale, qui più che mai, diventa abbraccio, che il pubblico tutto tributa a ogni interprete di questa riuscitissima esperienza.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate inoltre di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Nel ventre – Recensione Teatro

Pubblicato il 14 Gennaio 202314 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Nel ventre

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Nel ventre. Lo spettacolo, sulla storia di un caruso che lavora in una miniera di zolfo, è scritto da Antonio Mocciola. La regia è firmata da Marco Medelin, e Salvo Lupo è l’interprete di questo monologo.

Se Cristo si è fermato a Eboli, nelle zolfatare siciliane hanno dovuto ritrovarsene uno, o meglio più di uno: i corpi nudi dei carusi, ragazzini con la pelle che trasuda zolfo e anima. Antonio Mocciola, l’autore del testo, comprende che la parola si deve necessariamente incarnare, e la carne diventa l’utero in grado di permettere ad ogni fonema di svilupparsi, di farsi corpo. La carne si trasforma, dunque, in un marmo abitato dall’irresistibile vento dell’esistenza, una statua in divenire, che si lascia scolpire dal testo scenico. Mentre il corpo tutto, offerto in remissione dei peccati della platea, ha una ineffabile voce metafisica: organo di fonazione, la pelle stessa. Nel ventre della terra, disperatamente , freudianamente, si cerca la dea madre, Demetra, Gea; per rientrare in quel corpo, per inventarsi un’escatologia , un’immortalità rovesciata, un ragazzo scopre il diamante purissimo, nascosto dietro la dura scorza del dolore.

E’ un nuovo Ciaula pirandelliano, che scopre la sua Luna, la sua verità adamantina, il suo sogno frusciante come seta, il suo vestito metafisico. Quella cui si assiste è la fenomenologia di un angelo caduto, con ali sporche delle macerie del terremoto di Messina e di zolfo, che, faticosamente, parola dopo parola, ritrova la forza di sbattere le sue ali. Riesce a mostrarcele con la pura forza del suo dire, trasformando il suo corpo nell’arco e, contemporaneamente nella freccia; scrive, sul foglio della scena, frasi di carne, con inchiostro fatto di un nero esistenziale più scuro di quello di Paint it black dei Rolling Stones. Quel corpo diventa ora il pensatore di Rodin, ora membra apollinee pronte a scagliare un giavellotto olimpico, ora il corpo fetale, stranito, ammaliante sul trono dell’Edoardo II di Derek Jarman, ora Birdy, aspirante uccello in cerca di un cielo, nel film di Alan Parker.

E la laringe batte e ribatte, sull’incudine di Efesto, il ferro di fonemi arroventati nel magma del dialetto: la stessa lava che Ferreri aveva scelto come filo conduttore del suo Simposio. E tutto questo incessante monologo di straziante nudità potrebbe tradursi in una disperata e disperante ricerca d’amore, nel costruirsi di una poesia dal più buio inferno, in cui si aspetta l’ultimo verso dantesco in grado di farci vedere le stelle. E gli astri diventano gli occhi luccicanti del protagonista, i suoi balzi, che sembrano sempre essere una preparazione al volo definitivo. E’ bravo, il regista Marco Medelin, a dedicarsi a ogni singolo suono di questo testo, come potrebbe fare un orafo per il gioiello che sta creando. Ogni passaggio è necessario, è saldato con il fiato di un attore che scava nell’anima, fino all’ultimo pezzo, con la costanza e la disperazione di chi estraeva dall’inferno delle zolfatare.

L’attore Salvo Lupo pare assecondare l’adagio latino nomen omen: un nome, un destino. Ha davvero i tratti di quell’animale, che fiuta ogni particella di vita nell’aria, rendendo il suo fiato visibile, nel gelo di una natura di un ambiente avverso. E, anche se gli potresti contare le costole o le ferite dei tanti scontri, lui è ancora lì, che scruta un orizzonte dal significato silenzioso, solo per lui. Ecco, l’attore riesce nell’impresa di farsi tabernacolo di un mistero di carne, che rinnova l’eterna promessa della messa teatrale. In bilico tra Apollo e Dioniso, anzi, rendendo lo spazio del suo corpo il terreno stesso di sfida delle due divinità, diventa la perfetta sovraimpressione tra carne e anima; mostra, nella sua indiscutibile visibilità, l’esatto contrario, l’invisibile. Scava, con il piccone della voce la dura pietra del silenzio, e ne ricava gemme preziosissime, che scintillano, come può scintillare un oggetto concreto.

La platea lo segue muta , attenta, catturata da questo flusso di coscienza continuo; indistinguibile, quest’ultimo, dal flusso di un corpo perpetuum mobile, motore che non si arresta, che si scrive continuamente nella storia, che batte ostinatamente le proprie lettere, come una vecchia Olivetti. E poi, c’è quella capacità di plasmarsi nel corpo del racconto, degli altri personaggi, risvegliando anche la coscienza più intorpidita. Ma la vera scoperta, la Luna di questo novello Ciàula, è un sorriso, che non si arrende anche alla vita più grama, donandosi, satellite argenteo, nella notte scura di una storia in grado di invocare vendetta agli Dèi di un indifferente cielo.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate inoltre di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Sybil, Una donna divisa tra molteplici esistenze

Pubblicato il 30 Ottobre 20221 Novembre 2022 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Sybil — Ph Luca Meola

Nell’ambito della stagione teatrale 2022/2023 di PACTA. dei Teatri vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo Sybil, una donna divisa fra molteplici esistenze. Dramaturg dello spettacolo è Livia Castiglioni. La regia è firmata da Silvia Giulia Mendola. Le interpreti sono Federica Bognetti e Silvia Giulia Mendola. La storia narrata nell’opera si ispira a un caso reale.

Il pensiero, decisamente, recensendo questo spettacolo, va a Pessoa, e a tutta la numerosa orchestra di eteronimi. Non di pseudonimi si tratta, ma veri e propri altri-da-sé, con la patente di riconoscimento di un personale pronome. Sybil, la protagonista di questo lavoro teatrale, incarna un autentico caso psicoterapeutico di personalità multipla: il primo che abbia permesso di cartografare questo fenomeno, e di inserirlo, a buon diritto, nel libro delle psicopatologie. Sybil è ben più di un’ Anna O. di freudiana memoria, Sybil incarna molti personaggi che vogliono obliare il loro autore. Corregge, idealmente, la frase rimbaudiana l’io sé un altro; in l’io sono gli altri, tutta la svariata gamma di embrioni di personalità che ognuno di noi si porta dentro. E’, dunque, fatale che lo spettacolo si arricchisca di una dimensione profondamente metateatrale, entrando nel vero e proprio cuore di tenebra del lavoro dell’attrice su se stessa.

In quel magma ribollente di subpersonalità, fanno mostra di sé immagini archetipiche, tarocchi junghiani che vivono nella psicologia del profondo. La protagonista dimostra quanto sia vaga e, citando Hillman, vana la fuga dagli dèi, dal momento che questi ultimi sono più vicini a noi della nostra stessa giugulare; sono il nome donato a forze, energie psichiche che, altrimenti, agirebbero attraverso il codice cifrato dell’inconscio. E davvero, sfila davanti alla platea un intero pantheon di personaggi interiori che trovano domicilio in un singolo foglio. Sans papiers della coscienza vigile, clandestini nella terra che dovrebbe essere la loro patria, si raccontano con la struggente tenerezza di una foglia che per un lungo, lunghissimo, istante, prende coscienza della propria precarietà, nella terra autunnale della via verso la guarigione. Come HAL di 2001, queste identità hanno paura di svanire, di morire a se stesse e agli altri, hanno il fiore in bocca pirandelliano.

Chiedono alla psicanalista e, tramite lei, a tutta la platea, di contare i ciuffi d’erba fuori dal teatro, e di cercare di contarne molti, perché quello è il loro tempo di vita. L’intuizione eccezionale che si accende attraverso Sybil è che i personaggi sono animule vagule e blandule, sono delicati quanto bozzoli di seta, fragili e insieme forti, impermanenti quanto e più di noi; ma raccontano, come nessun’altra forza potrebbe raccontare, la poesia definitiva, che fa male, quella rosa che ha le spine, quel dolore che si sublima in un taglio nella tela del nero esistenziale, per lasciare uno squarcio di luce dell’altro, dell’indicibile. Nello scheletro di una stanza, che vagamente richiama un rompicapo irrisolvibile di Escher, avviene un dialogo socratico, in cui Socrate, la psicanalista, deve dismettere l’inamidato setting e cercare altre strade, altre parole per guarire la sua paziente. Questo è il bello delle storie psicanalitiche.

Come aveva genialmente intuito Mishima, questi racconti si candidano naturalmente ad essere delle storie noir, thriller, delle detective story, dove la verità si nasconde dietro il fumo di una sigaretta, si lascia inseguire, depista con falsi indizi, sfugge, si dimena, e poi, catarticamente, si scioglie in un abbraccio, facendo la pace con se stessa e con il resto del mondo. Il trauma che ha frantumato il cristallo dell’io è terribile, superiore a quello che la più cupa tragedia può nascondere dietro la parete della skenè. Gli anticorpi per un male assoluto non possono che essere radicali quanto lo è la malattia: e allora, ecco la fuga dagli dèi, il rocchetto di Hans che si moltiplica in più fili, nel gioco dell’avanti e indietro di molteplici personalità. Se l’io, come ricorda Freud, è un precipitato di cariche oggettive, ha già un’origine nevrotica.

Nasce da una frustrazione; a maggior ragione, ciò vale per gli ego nati allo scopo di sopportare un dolore intollerabile, che non potrebbe essere sorretto da una sola, fragile, identità. Silvia Giulia Mendola è una Sybil in stato di grazia, un essere proteiforme, che modella la sua anima su quella delle varie personalità, e non trascura alcun fonema, gesto, intenzione per costruire al meglio ognuna di esse. Silvia va dove non si tocca, e nuota meravigliosamente. Suona con maestria ogni strumento di questa particolarissima sinfonia interiore, e ha una speciale seta nei suoi sguardi, , così sottile e leggera che si ha quasi paura che basti un fiato, dalla parte della platea, a stravolgerla. Silvia ha certi occhi che ti abbracciano delicatamente, perché hanno paura di farti male; dice sì, come la Molly joyciana, alla vita di tutti i personaggi, e tutto questo si sente.

Federica Bognetti riesce a condurre se stessa e, insieme, gli spettatori, nel viaggio pieno di stupore e sgomento, che conduce, dal freddo approccio terapeutico della mente scientifica e speculativa, all’incontro che si contamina piacevolmente dell’irrazionale, che deve letteralmente inventarsi una via altra per trovare la soluzione dell’enigma. A poco a poco, spezza la sua verticalità, si piega, dando al gesto uno stupendo valore metaforico. Forma, naturalmente, la scultura vivente di una Pietà del Bernini, l’immagine corporea dove far traguardare questi torrenti impetuosi dei vari flussi di coscienza. I suoi fonemi hanno il tepore confortevole di certe mani femminili, capaci di cambiarti il colore dell’anima accarezzandoti appena il viso. La sua voce abbraccia la dimensione ventrale, è sicura e confortante: un mantra terapeutico che ti entra sotto la pelle, e che accoglie senza giudizio o senza incertezze. Gli applausi, generosi, sul finale dello spettacolo, sono tutti meritati.

Se vi è piaciuto questo articolo, vi consigliamo la lettura degli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non dimenticate inoltre di ascoltare il nostro podcast per approfondire i vari aspetti del mondo teatrale.

256 secondi, Piovono bombe! Recensione Teatro

Pubblicato il 28 Ottobre 202214 Gennaio 2023 in Teatro di Danilo Caravà

Immagine della recensione dello spettacolo Piovono bombe

Nell’ambito della rassegna digitale Portiamo il teatro a casa tua, ideata e creata da Mariagrazia Innecco, vi presentiamo la nostra recensione dello spettacolo 256 secondi, Piovono bombe! Lo spettacolo è scritto e diretto da Cesare Gallarini. Queste “schegge” di bombardamenti sono raccontate da Cesare Gallarini, Lorena Marconi e Ottavio Bordone.

Con buona pace di Kubrick, qui decisamente si impara come odiare la bomba, la quale porta già in dote, nella parola che la denomina, l’onomatopeicità di un suono che ha ben poco di fumettistico, e troppo di tragico. Si racconta la storia di uno strumento di morte che ha, definitivamente, portato la guerra dai campi di marzo ai civili. A crollare non è più l’infestata casa degli Usher, bensì quella dell’uomo qualunque, dell’everyman che si vede, letteralmente, piovere dal cielo la tragedia; gli dèi si sono carrucolati nella scena umana troppo velocemente, pronti a scoppiare in faccia a qualunque platea. La bella intuizione di questo spettacolo è raccontare drammaturgicamente tutto questo, con una efficace e devastante normalità, avendo come bussola, per orientarsi in ogni bombardamento, quella banalità del male ben espressa dalla Arendt. Non ci sono gli eroi del mito, bensì persone comuni, che muoiono.

Perdono la vita a causa di questa pioggia futurista, metallica, dirompente, provocata dalla meteorologia distorta di generali, i quali sono ancora convinti, che, sopra la collina ci sia la notte crucca e assassina; ma gli unici, veri assassini sono loro. La verità di questa assurda etica rovesciata si basa su di una fredda media statistica: se un essere umano ucciso equivale a un omicidio, migliaia sono il risultato di una guerra. In una scena essenziale, gli oggetti sono correlativi oggettivi di questo spaventoso altro, segni tangibili di ciò che rimane; ogni accessorio serve a testimoniare che tutto questo è stato, è, e speriamo che non sarà più. Cesare Gallarini incarna il pilota, o, meglio, ogni possibile pilota che trasporta questo strumento di morte; con la sua fisicità imponente, la sua voce rustica, con tannini di una vocalità intensa, corposa come un buon bicchiere di lambrusco, dice l’indicibile.

Usa l’efficacissima arma di una sottile comicità straniata, brechtiana, per descrivere la quotidianità dei bombardamenti. Ma lì, proprio dietro l’ultimo fonema, a meno di un soffio dall’ultimo fiato, ecco che appare un’intenzione deviante: fa mostra di sé l’anima buona di qualunque Sezuan, che piange in silenzio, terzopersonalizzandosi epicamente. Lorena Marconi è la cittadina, la vittima, sguardo stupito verso un cielo che dovrebbe ospitare le nostre migliori intenzioni, e, invece, ospita creature mostruose che sputano fuoco sulla città, draghi postmoderni che difficilmente i cavalieri della contraerea potranno abbattere. E poi Lorena ha certi sorrisi, piccoli e delicati, che ti entrano dentro, scavando una strada di fuga dall’orrore. Si riesce a vedere, nella curva di quelle labbra, una tenue speranza; risuona sommessamente il canto di una Vera Lynn, a ricordarci che, forse, ci incontreremo di nuovo in un giorno di sole, dopo l’ultima guerra.

E poi c’è quello sguardo di madre, nel racconto del bombardamento sulla scuola di Gorla, con tutto lo spaesamento di un essere in grado di dimostrare che le bombe, oltre che le case, sradicano le anime. Con le bambole in mano, costringe ogni dio della tragedia all’unico silenzio possibile. Non ci son scuse, Dostoesvskij docet: ciò che rimane incomprensibile, ciò che suona come una fatale accusa per ogni possibile abitante del cielo, è la violenza contro i bambini. Ottavio Bordone è il giornalista raisonneur che batte ostinatamente sulla sua vecchia macchina da scrivere, come il reporter che si trova il proprio cantuccio lirico per portare la propria testimonianza, per regalare alla vicenda un particolare ritmo: quello delle dita sui tasti. E’ una presenza discreta che lega i fili di questa vicenda, uno alla volta, in grado di ricomporre, con dovizia, questa tela di Penelope, che proprio non sa se potrà reincontrare Ulisse.

Ogni parola di questo spettacolo è maledettamente necessaria; è uno schiaffo alla letargia dell’indignazione, alle coscienze impigrite, per cui il mondo delle immagini si contamina di realtà, finzione, e consigli per gli acquisti. La denuncia è questa testimonianza chiara, limpida come acqua di fonte. Non c’è fascinazione alcuna nella guerra, non c’è prosecuzione di alcuna diplomazia: solo l’orrore dell’ennesimo Kurtz, capace di raccontare il delirio dal cuore di tenebra di ogni guerra, trovando del metodo poloniano in questa follia. Mesdames e Messieurs, questo è autentico teatro civile di denominazione di origine controllata. Si racconta l’inferno dei bombardamenti senza sconti, senza orpelli, senza infiocchettature retoriche di alcun tipo. E, per citare una canzone di The Wall dei Pink Floyd, ci si meraviglia di come persone debbano, ancora oggi, correre ai rifugi, quando la promessa di un nuovo mondo è stata sbandierata mille volte sotto un cielo azzurro.

Se questo articolo è stato di vostro interesse, vi invitiamo a leggere gli altri che troverete nella sezione teatro e le altre recensioni presenti sul nostro sito. Non scordate inoltre di ascoltare i nostri podcast per approfondire la conoscenza del vasto mondo teatrale.

Danilo Caravà

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche

Share This

Potrebbe interessarti anche